Der Trierer Diplom-Designer Markus Ehrhard eröffnete vom 05. bis 06. Juli 2025 seine erste Einzelausstellung als bildschaffender Künstler mit dem Titel „Orange Intense“ im irischen Killorglin im County Kerry.

Noch vor einem Jahr stellte Markus Ehrhard zum ersten Mal in einer Gruppe von 58 Künstlern auf dem irischen K-Fest in der Boyles Hardware Halle in Killorglin aus. In diesem Jahr wurde das K-Fest abgesagt und so präsentierte Ehrhard nun selbst auf diesen, wie er sie beschreibt „angeranzten und verquartzten 550 qm, die als alles andere als eine schicke und gut ausgeleuchtete Galeriewand sind“, alleine seine Kunst aus.

Das vergangene Jahr seines Schaffens erinnerte Markus Ehrhard viel an seine Diplom-Arbeit „Die Sieben Todsünden“, mit der er 1999 sein Studium am Fachbereich Modedesign in Trier mit Auszeichnung abschloss. Seine Arbeitsweise übernahm Ehrhard von seiner Ausbildung zum Schneider im Musteratelier von Escada in München, seiner Designertätigkeit für Birkenstock Schuhe und für den Londoner Hutmacher Philip Treacy, mit dem der Trierer für drei Haute Couture Schauen in Paris arbeitete. Ehrhard stilisiert seine Arbeit so, dass er sich dort Arbeit macht, wo sich ein anderer nicht bemüht. Wie zum Beispiel in seinen Mosaiken, seine Reminiszenz an Trier, die er aus über 14.000 von Hand geschnittenen und einzeln platzierten Blättchen in 56 Farbabstufungen gefertigt hat. Er ging an die Grenzen des Machbaren, um diese bewusst zu überschreiten. Erst dadurch entsteht für Ehrhard Kunst.

In der „Ikonographie von Strandfunden der Rossbeigh Beach“ zeigt der 53-Jährige nicht nur Kritik an der Verschmutzung der Meere. In einer Skulptur setzt er einen Gummistiefel mit einem darauf balancierenden Stein auf ein Podest und wiederholt dieses Motiv zeichnerisch und malerisch im Maßstab 1:1. Dabei zeigt er sein ganzes Repertoire, das die klassischen Bildmittel der Skulptur, Relief, Mosaik, Foto, Marker- und Tuschezeichnung, sowie Malerei in Acryl und gespraytes Graffiti visualisiert. Zentrales Werk in der Boyles Halle war ein mit Tusche auf Baumwoll-Batist gemaltes Selbstportrait, das den Künstler als Röntgenbild lebensgroß abbildet. Als Publikumsmagnet zeigte sich jedoch ein in seinem Heimatort Idar-Oberstein belächeltes Armband aus Thermokunststoff mit zwei Amethysten und einem Palmera Citrin, die sein Vater Rolf Ehrhard, sowie sein Großvater Emil Juchem geschliffen haben. „In Irland erkennt man den Zeitgeist und feiert Kreativität.“ so der visuelle Künstler.

Ehrengast der über 300 Besucher der Ausstellung war Markus Ehrhards Mutter Linda, die eigens aus Allenbach anreiste. Großes Lob für seine 143 ausgestellten Arbeiten erhielt Ehrhard auch von hochkarätigen Künstlerkollegen, die eigens aus ganz Irland anreisten.

Die nächste Gruppenausstellung folgte prompt. Markus Ehrhard präsentierte eine Woche nach seiner Ausstellung ein Mosaik, ein farbintensives Graffiti sowie eine Skulptur aus Muscheln der nahegelegenen Cromane Bucht auf der Kanzel der Belfry Art Exhibition in der säkularisierten Kirche von Glenbeigh.

Andreas Christ: Genau ein Jahr nach dem K-Fest in Killorglin, auf dem Du Dich mit Deinen Arbeiten zum ersten Mal als Künstler präsentieren durftest, stellst Du nun in Deiner ersten Einzelausstellung aus. Wie ist es dazu gekommen?

Markus Ehrhard: Das K-Fest war nicht nur für mich, sondern auch für so viele weitere Künstler, eine Plattform sich sein künstlerisches Bewusstsein zu formen und schaffte die Möglichkeit sich zu so zu entwickeln, dass man ein besserer Künstler wird. Ich erlebte einen ungemeinen Zusammenhalt, den ich so aus Deutschland nicht kenne. Und nun wurde in diesem Jahr das K-Fest abgesagt. Zunächst ein Schock, aber für mich stand dann relativ schnell fest, dass für mich und Killorglin die Einzelausstellung unumgehbar ist.

AC: Auf dem K-Fest präsentiertest Du Dich in der Boyles Halle im Zentrum von Killorglin. Du bezeichneste die Halle als "angerantzt und verquartzt". Warum hast Du Dir nun genau diesen Ort ausgesucht?

ME: Weil dieser Raum in diesem Zustand Spuren hinterlässt. Er hat tatsächlich eine Magie, eine Wirkung speziell auf Künstler, die ich nicht erklären kann. Wahrlich, eine weiße, gerade und gut ausgeleuchtete Galeriewand mit schickem Marmorboden und perfekter Ausleuchtung ist das Boyles nicht. Aber auf dem K-Fest ist dieses Venue immer das Epizentrum dieses Kunstfestivals. Die Brutalität dieser Halle lässt Künstler wachsen und herausstechen, oder eben untergehen.

AC: Was war die größte Herausforderung?

ME: Zunächst einmal muss ja eine gewisse Menge an Kunst überhaupt geschaffen werden, die es wert ist in die Öffentlichkeit zu geben. Und in dem Jahr nach dem K-Fest habe ich täglich gearbeitet. Die Werke entstanden ja teils in Trier und mussten ja auch erst einmal nach Irland. Mein größter Wunsch war natürlich wieder zurück in die Boyles Halle zu kommen und diesem nicht einfachen Ort etwas entgegen zu setzen. Ich würde sogar sagen wollen, dass ich die Kunst eigens für diesen Raum geschaffen habe, denn diese Halle ist für mich eine Inspiration und Herausforderung. Eine offene Tür hatte ich bei Nigel Boyle, dem Besitzer. Er fand mein Konzept sehr gut und ich war frei in der Gestaltung, unter der Voraussetzung, dass ich eine Versicherungspolice bereitstelle. Das war für mich neu, aber ich fand mich auch da relativ schnell zurecht, so dass ich dann fünf Tage zum Aufbau hatte.

AC: Hattest Du Hilfe beim Aufbau?
ME: Nein, ich wollte die Hängung alleine vornehmen. Frank hat mir lediglich dabei geholfen, die Halle frei zu räumen, überall standen Tische und Möbelstücke herum, und, dass der Boden besenrein ist. Ich war dann für vier Tage von morgens bis abends alleine in der Halle. Und ich muss sagen, dass ich selten so klar und nah mit mir war. Ich hatte einen ungemeinen Freiraum, der mir auch erst beim Aufbau bewusst wurde. Das war eine sehr wertvolle Zeit für mich. Leider verfügt das Boyles nicht über eine Toilette, aber ich durfte die sanitäre Anlage im benachbarten Francie Sheahan Pub nutzen, was ich auch immer auf ein Pint für mich nutzte.

AC: Gab es einen bestimmten Aufbau der Ausstellung?

ME: Der Raum gab eigentlich vor, wie die Hängung aussehen sollte. Da gab es keine rechten Winkel, oder eine gerade plane Fläche. Zudem zeigten einige Wände eine kleine Abstufung, in diese immer in unterschiedlicher Höhe. Mir war wichtig, in diesem großzügigen Raum seine Weite zu lassen, um sich der Kunst annähern zu können. Egal von welchem Standpunkt man die Kunst betrachtete, man war nirgendwo verloren. Manche Werke, wie "Everybody is a Star" oder das Mosaik "TOO MUCH FREEDOM" funktionierten erst durch diesen freien Raum, denn man sollte die Arbeiten von Nahem als auch aus einer Ferne von 20 m betrachten können. 

AC: Feuchtigkeit in den Wänden spielte wohl auch eine Rolle?

ME: Oh ja, das war sogar ein gravierendes Problem, denn einige Arbeiten wellten sich in den Rahmungen. Lucy Carter aus der Grisle Gallery gab mir den Ratschlag mit Abstandhaltern zu arbeiten. Das funktionierte dann sehr gut. Auch die Decke war feucht und so funktionierte auch ein Teil der Beleuchtung nicht. Wie gesagt, der Raum ist brutal und vergibt nichts.

AC: Aber nun zur Kunst. Wie ist es zum Titel "Orange Intense" gekommen beziehungsweise, was soll dieser Titel beschreiben?

ME: Dass ich in allen Werken die Farbe Orange gewählt habe, hat mit meiner Erfahrung auf dem K-Fest zu tun. Auch damals waren mir die Umstände dieser Halle bewusst und ich setzte auf meiner 3,60 m breiten Präsentationsfläche auf starke Farben mit Leuchtkraft. Da stach das Orange der Tusche heraus. Und so setzte ich dieses Orange als Grundfarbe ein und bearbeitete diese Intensivierung optisch, dass ich zum Beispiel in den "CONES" durch die Farbe Fuchsia das Orange intensiviere, oder diesen Farbton intellektuell durch Wiederholung verdichte.

AC: Kann man sagen, dass Deine Kunst nur in dieser Halle funktioniert?

ME: Ja, wenn man in dieser Halle besteht, besteht die Kunst an jedem Ort und an jeder Wand. Insgesamt hatte ich 15 Settings mit über 60 m Wandlänge zu gestalten. Deshalb sehe ich diesen Ort als unmittelbaren Teil dieses Ausstellungskonzeptes, genauso wie das auf 24 Stück limitierte Poster.

AC: Hattest Du mit so vielen Besuchern gerechnet?
ME: Für die Versicherung musste ich eine Anzahl angeben. Ich setzte hoch an und ging von 100 Besuchern pro Tag aus. Ich hatte Poster und Flyer an 50 Orten in Killorglin, Glenbeigh, Cahersiveen, Milltown, Tralee und in Killarney platziert. Auch gab es eine Ankündigung im Kerry Radio zu den Wochenendveranstaltungen. Dass es nun über 300 an diesen beiden Tagen waren, war sehr erfreulich. Zum Glück kamen nicht alle Besucher auf einmal, sondern verteilt, so dass jeder die Gelegenheit hatte sich mit mich mir zu unterhalten. Es waren alle Leute vom K-Fest da, und es kamen Künstler wie Rachel Varden mit einer Autofahrt von über drei Stunden eigens aus Galway. Aber ich habe auch sehr viele neue Menschen kennengelernt, besonders dabei freute mich die hohe Zahl an jungen Besuchern, die zudem auch meine Kunst kauften.

AC: Natürlich auch die Frage zu den Verkäufen. Von der Künstlersozialkasse ist Dir ein Umsatz von € 5.000,- für dieses Jahr vorgegeben.

ME: Diesen Betrag habe ich mit meiner Ausstellung leider nicht erzielen können. Aber wie erwartet, waren die Pusteblume in den Glaskugel sehr beliebt, ebenso die Zeichnungen mit Gummistiefeln. Von den Studien, die ich im Eingangsbereich zu € 30 das Stück (2 für € 50,- und 5 für € 100,-) angeboten hatte, wurden über 30 verkauft. Eine amerikanische Touristin aus New York kaufte alleine 5 dieser Studienblätter. Sie war übrigens sehr begeistert und meinte, dass diese Ausstellung so auch in New York erfolgreich wäre.

AC: Apropos Künstlersozialkasse. Wurdest Du auch in der Presse, wie vorgegeben, als bildschaffender Künstler besprochen?
ME: Nein, und das finde ich auch, wie formuliere ich es nett, armselig. Eine deutsche Redakteurin fragte mich auf meine abgelehnte Pressemitteilung, wohin wir kämen, wenn jeder als Künstler irgendwo eine Ausstellung veranstaltet. Diese Einstellung spricht Bände und ich finde diese Haltung bezeichnend und als sehr beschämend.

AC: Wie waren die Reaktionen vor Ort in Irland?

ME: Überwältigend, ich kann es nicht anders formulieren. Mir wurde noch nie soviel Zuspruch und Begeisterung entgegengebracht. Manche Besucher hielten sich mehr als drei Stunden in der Halle auf. Alle machten Fotos und kommunizierten diese dann auch in den sozialen Medien. Viele meinten, dass die Ausstellung ungeahnt, unerwartet und unvermutet gewesen sei. Das hat mit der Vielfalt der Bildmittel zu tun. In Irland ist man doch sehr auf eine Technik oder Stil festgelegt. Bei mir ist das nicht so. Ich zeige neben einem Graffiti ein Mosaik, neben einer Tuschezeichnung eine Skulptur. Ich will optisch auf verschiedenen Ebenen ansprechen. Das empfanden viele als sehr überraschend und auch als sehr belebend in der Betrachtung. Und klar, will ich auch mein ganzes Repertoire damit zeigen.

AC: Könntest Du  formulieren, wofür Du berühmt sein möchtest und was Dein künstlerisches Markenzeichen ist? In welche Richtung wirst Du gehen?

ME: Da komme ich nun wieder etwas in das Design. Yves Saint Laurent wurde diese Frage auch einmal gestellt und er antwortete, dass er gerne ein Kleidungsstück entworfen hätte, wie der Trenchcoat von Burberry's. Yves wurde dann eine Legende für einen eigenen epochalen Stil. Als Charakteristika würde ich meine Vielseitigkeit in den Bildmitteln benennen wollen. Und damit sage ich auch schon, dass ich in Zukunft den Fokus auf die Ikonographie legen werde, sprich, dass ich ein Motiv in verschiedenen Techniken bearbeite und wiederhole. Gerade habe ich mit einer neuen Ikonographie begonnen und zwar mit einem Stück der 1903 an der Rossbeigh Beach gestrandeten Sunbeam, einem Zweimaster. Aus dem Holz wurde der lokale Pub möbliert und der Boden und die Bänke der Belfry Church in Glenbeigh gebaut.

AC: Wie würdest Du nun Deine Nachlese formulieren wollen?

ME: Das ganze Projekt war eine Herausforderung und eine Anstrengung, aber auch mit Rückhalt und Möglichkeiten. Nigel Boyle hat mir diese Halle zur Verfügung gestellt. Er besuchte die Ausstellung und meinte bei der Schlüsselübergabe, dass er mit dem Gedanken spielt, diesen Ort nun für kulturelle Zwecke wie Ausstellungen und Lesungen zu renovieren. Und wenn einer das kann, dann er mit den Möglichkeiten seines Unternehmens. Bewusst wurde mir der Umfang einer Einzelausstellung erst in Gesprächen, wie mit dem Künstler Matt Hayes, der meinte, dass ein Event dieser Art in Killorglin und Umgebung impulsgebend sein wird. Paola vom K-Fest Kommittee fragte mich, ob mir bewusst sei, dass ich diesen Raum, der eigentlich 16 Künstlern auf dem Kunstfestival Platz bietet, auch alleine füllen kann ("Are you sure, you can fill these boots?"? Aber ich habe bewusst meine Komfortzone verlassen. Meine elementarste Erfahrung war, dass ich in dem Moment der größten Verletzlichkeit eigentlich den größten Schutz und Unterstützung erfahren habe.